un artista Italo-russo in Versilia
a cura di Silvana Gatti

L'Italia, si sa, è un paese ricco dal punto di vista paesaggistico ed artistico, frequentato sin dal medioevo per via dell’antica strada dei pellegrini che seguivano la via Francigena per giungere a Roma, e attualmente sono sempre più numerosi i turisti e i cittadini che la percorrono, alla ricerca di una vacanza a contatto con la natura e con i tesori storici e artistici di un territorio ricchissimo.La via Francigena porta il viaggiatore in Versilia, dove un paesaggio mozzafiato tra le Alpi Apuane, le cave di marmo di Carrara e il mare invitano ad una sosta, utile per conoscere

Mostra d'arte collettiva.
19 artisti a confronto al Porto turistico di Roma con molti degli autori presenti. Per conoscere, capire ed entrare nella mente di chi con la pittura propone e riesce a mettere sulle tele ciò che lo stato d'animo e la sensibilità in quel momento suggerisce.
Gli artisti saranno ben lieti di accogliervi in questi 15 giorni di arte nella bellissima realtà romana.

“Amabili visioni”

Al Porto turistico di Roma
nella splendida realtà romana direttamente sul mare, a ridosso delle bellissime imbarcazioni a fare da cornice a questi 14 giorni di Arte contemporanea dedicata a diciotto artisti che si confrontano con una varietà di opere che vanno dal figurativo alla pop art per arrivare agli astratti passando per l’informale.  
Alcuni di loro verranno proposti anche alla Fiera Arte Genova 2019 che si terrà a febbraio.

Oltre venticinque opere che evidenziano le capacità di ognuno nel produrre lavori che stanno riscuotendo un importante interesse nel panorama artistico nazionale e il confrontarsi tra di loro fa si che il pubblico percepisca in ognuno, anche conoscendoli personalmente, ciò che sulle tele con la loro arte vogliono esprimere e le sensazioni che riescono a trasmettere, cose che solo un artista con la sua sensibilità può riuscire a concepire.

Le opere in esposizione sono di: Angela Balsamo, Rosy Bianco, Giusy Dibilio, Tano Festa, Giusy Cristina Ferrante, Aleksandra Kasperek, Rita Lombardi, Laila, Livia Licheri, Annalisa Macchione, Leonardo Niola, Achille Perilli, Francesco Ponzetti, Valerio Prugnola, Sebastiano Plutino, Valentina Roma, Maria Grazia Russo, Anna Maria Tani, Pier Toffoletti, Valentina Valente.

Dal 19 gennaio all’1 febbraio 2019 in mostra alla Galleria Ess&rrE al Porto turistico di Roma - locale 876 
00121 Roma - tel. 06 42990191 - 329 4681684 
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CalifArte – gli artisti dipingono le canzoni di Franco Califano

dal 2 al 14 febbraio 2019

Vernissage: sabato 2 febbraio ore 17,30

Parma, Galleria S.Andrea – Via Cavestro 6

La mostra che intreccia Poesia, Pittura e Musica sbarca a Parma, nel cuore della città ducale, e porta una ventina di artisti con le loro opere ad una esposizione dedicata alla figura ed alla scrittura di Franco Califano, cantautore e poeta, scomparso nel 2013.

Dopo la prima uscita nazionale alla Galleria Ess&errE al Porto Turistico di Roma nel maggio 2018, CalifArte arriva a Parma, col patrocino del Comune di Parma - Assessorato alla Cultura, per iniziare un autentico tour italiano. I pittori e i performer che si sono impegnati nel rendere in arte visiva quello che Califano ha scritto hanno dato fondo alle loro forze per far leggere in maniera diversa quello che il Califfo ha prodotto : canzoni, monologhi, aforismi.

Dunque ciò che conosciamo dai dischi e dalle esibizioni dal vivo, diventa pittura, scultura e performance, colorando la Galleria S.Andrea e dando vita, il prossimo 2 febbraio, ad una inaugurazione presentata da Paolo Silvestrini scrittore e pittore (tra i promotori della Fondazione Califano Trust Onlus di Roma) e Matteo Scipioni, giornalista de “La Gazzetta di Parma”, che hanno redatto anche i testi del catalogo. Altri ospiti del vernissage saranno annunciati a breve.

 Ecco qualcuno dei nomi degli artisti partecipanti: Marco Lodola, apprezzatissimo performer del neo-pop, che ha preparato i suoi perspex luminosi per interpretare “Il Campione” e un’ altra canzone del Maestro. Luca Dall’Olio, che coi suoi dipinti onirici ha dato vita a quadri dedicati a “L’ultima spiaggia” e “Da molto lontano”,  Cinzia Pellin che ha dipinto con la sua grazia i suoi volti femminili impeccabili in “Minuetto” e “Buona fortuna, Annamaria”. Giorgio Gost, che gioca in casa, ha coperto di resine trasparenti un vecchio doppio album di Califano e preparato una installazione dei suoi “oggetti salvati per il futuro”, Alberto Gallingani, astrattista fiorentino, ha dato corpo pittorico ad una delle più belle canzoni scritte da Califano: “E la chiamano estate”…

 Ognuno ha dipinto o realizzato due opere ispirate dai versi del Maestro e ognuno ha lavorato secondo la propria cifra stilistica.

L’idea di Giorgio Barassi, consulente d’ arte e curatore della mostra, di avvicinare le arti in nome di un grande autore italiano è stata accompagnata nella prima uscita romana anche da un concerto dedicato a Califano ed ai suoi successi e l’esibizione in duo (chitarra e voce) sarà evento collaterale di CalifArte per le date parmigiane. Di sicuro ci sarà anche una serata speciale dedicata agli artisti di CalifArte : al Cuorematto di Poviglio (R.E.) per il 2 febbraio è annunciata “La notte dei Pittori”, una delle notti di divertimento del noto locale emiliano dedicata all’evento, alla presenza degli artisti che saranno alla S.Andrea per il vernissage.

 La città era molto gradita a Califano, ha avuto nella sua band musicisti parmigiani. Il Maestro l’ha frequentata per concerti in diverse occasioni, e in gioventù ha vissuto spesso la città, attirato dalla godereccia vita notturna di una Parma gaudente e splendida.

 Ma CalifArte si rivolge essenzialmente alla produzione scritta ed alla discografia del Maestro, riscoperta da molti neofiti e sempre nel cuore dei tanti fans.

Come già accaduto per la prima uscita a Roma, la Fondazione Califano Trust Onlus sostiene ed incoraggia questa iniziativa e gli eventi ad essa collegati, nel rispetto della linea di intenti che la Fondazione si prefigge : primo tra tutti quello di porre la figura di Califano in un luogo ideale ed alto che gli compete.

Progetto artistico e curatore : Giorgio Barassi

Direzione artistica : Sabrina Tomei

Management : Roberto Sparaci

Orari: da martedi a sabato : 10.00 / 12.00 e 16.00 / 19.00

Domenica: 16.00 / 19.00

Chiuso Lunedi.

La mostra è visitabile fino al 14 febbraio.
Catalogo in galleria, ingresso libero.

Organizzazione:
Galleria Ess&rrE- Porto Turistico di Roma  329.4681684

Acca Edizioni Roma www.accainarte.it

Giorgio Barassi – p.r. per l’Arte    347.4590939

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GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea,
Torino - Fino al 24 marzo 2019

di Silvana Gatti

L' autunno ha portato alla GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino - una mostra imperdibile sul movimento dei Macchiaioli, che ripercorre il periodo che va dalla sperimentazione degli anni Cinquanta dell’Ottocento ai capolavori degli anni Sessanta, prestando particolare attenzione alla triangolazione artistica sviluppatasi in quel periodo tra Toscana, Piemonte e Liguria.
La mostra, organizzata e promossa da Fondazione Torino Musei, GAM Torino e 24 ORE Cultura - Gruppo 24 ORE, a cura di Cristina Acidini e Virginia Bertone, con il coordinamento tecnico-scientifico di Silvestra Bietoletti e Francesca Petrucci, vede la collaborazione dell’Istituto Matteucci di Viareggio. Sono oltre 80 le opere esposte, in un affascinante racconto artistico sulla storia del movimento, dalle origini al 1870.
Come spesso è avvenuto nella storia dell'arte, anche la definizione dei Macchiaioli è nata come termine dispregiativo. Apparso sulla “Gazzetta del Popolo”, il 3 novembre 1862, in un articolo che criticava il loro stile, il termine fu adottato di conseguenza dagli artisti del gruppo che intendevano dipingere il vero sostenendo che la natura potesse essere resa con verità attraverso “macchie di colore e chiaroscuro, ciascuna delle quali ha un valore proprio che si misura col mezzo del rapporto”.
Nella seconda metà dell’Ottocento si era alla ricerca di nuovi stili pittorici, ed a Firenze i frequentatori del Caffè Michelangiolo sperimentarono il linguaggio pittorico della ‘macchia’ indirizzando gli artisti verso la mo- dernità. Fu a Torino, nel maggio del 1861, che il nuovo linguaggio pittorico trovò la sua prima affermazione alla Promotrice delle Belle Arti. Nel periodo della proclamazione della città sabauda a capitale del Regno d’Italia, Torino visse una stagione di fermento culturale, ed il 1863 vide la nascita della collezione civica d’arte moderna - l’attuale GAM - che nella sua collezione ottocentesca annovera numerose opere degli artisti di quel periodo.
In questa mostra è interessante la triangolazione tra Antonio Fontanesi, nel bicentenario della nascita, gli artisti piemontesi della Scuola di Rivara (Carlo Pittara, Ernesto Bertea, Federico Pastoris e Alfredo D’Andrade) e i liguri della Scuola dei Grigi (Serafino De Avendaño, Ernesto Rayper), a confronto con le opere di Cristiano Banti, Giovanni Fattori, Telemaco Signorini e Odoardo Borrani, protagonisti di questa cruciale stagione artistica.
Il percorso della mostra inizia a Firenze, dove Giuseppe Bezzuoli, Maestro di Pittura all’Accademia di Belle Arti, di matrice romantica, eseguiva quadri di grandi dimensioni a carattere storico o religioso. Stefano Ussi, suo allievo, nella “Cacciata del duca d’Atene da Firenze” (1854-60) - di cui è esposta una replica - proponeva un dipinto ricco di valori patriottici. Le opere di Enrico Pollastrini e di Antonio Ciseri, anch’essi allievi di Bezzuoli, volgono al purismo, prendendo spunto da opere del Quattrocento. Ne è un esempio l’incompiuto dipinto “I novellatori del Decameron” del Pollastrini, dal disegno nitido che traccia una composizione equilibrata e armoniosa ispirata ai dettami raffaelleschi. Anche nella “Famiglia Bianchini” di Ciseri, presentata nel 1855 all’Esposizione Universale di Parigi, si notano i rimandi ai grandi del passato. Luigi Mussini, avverso al romanticismo storico ed al realismo che si stava diffondendo in tutta Europa, dopo essersi accostato al purismo di matrice tedesca, conobbe Ingres a Parigi e ne rimase influenzato, come si può notare nella posa disinvolta del suo “Autoritratto” esposto. In questo ambito si formarono i futuri sostenitori della “macchia”: allievi di Bezzuoli furono Vito D’Ancona, Giovanni Fattori e Silvestro Lega, che frequentò anche gli studi di Mussini e di Ciseri, presso cui si educò Raffaello Sernesi; Odoardo Borrani fu alla scuola di Pollastrini, mentre Cristiano Banti studiò all’Accademia di Siena, prima di trasferirsi a Firenze nel 1856. Di Banti e di Lega sono esposte le prove accademiche di fine corso, rispettivamente del 1848 e del 1852; di Fattori un’opera dei primi anni Cinquanta in cui appare evidente il rapporto stilistico con il maestro Bezzuoli.
Al Caffè Michelangiolo, aperto nel 1848 in via Larga, si ritrovavano gli artisti ed intellettuali che distanziandosi dal romanticismo si affiancavano al Positivismo. I giovani contestatori della pittura di storia, contrari alle regole accademiche, si interessavano al paesaggio dietro l’esempio di Alexandre Calame, Giuseppe Camino e Francesco Gamba. Dipingevano dal vero anche gli allievi dell’ungherese Carlo Markò, tra cui i suoi figli Andrea e Carlo junior, Serafino e Felice De Tivoli, Lorenzo Gelati ed Emilio Donnini; si unirono al gruppo anche Carlo Ademollo, Nicola La Volpe e Saverio Altamura, ritrovandosi dal 1853 nei dintorni di Staggia presso Siena, per cui, in seguito, questo gruppo di paesaggisti fu denominato “Scuola di Staggia” e riconosciuto come precursore dei macchiaioli. Nel 1855, durante l’Esposizione Universale di Parigi, De Tivoli e Altamura ammirarono le scene realistiche dei “barbizonniers”, oltre ai contrasti chiaroscurali di Alexandre Decamps. Erano entusiasti per le novità anche Filippo Palizzi, Bernardo Celentano e Domenico Morelli, che apprezzava il cromatismo di Paul Delaroche e di Auguste Gendron. Le discussioni al Caffè Michelangiolo spinsero alcuni giovani a dipingere il paesaggio dal vero con l’ausilio dello “specchio nero”, che permetteva di vedere nitidamente i contorni valorizzando i volumi. In parallelo, la pittura di storia fu rinnovata da Cristiano Banti con “Il ritrovamento del corpo di Lorenzino de’ Medici”, dipinto con rapidità bozzettistica.
Il 27 aprile 1859 il Granduca Leopoldo II partiva da Firenze per un esilio senza ritorno: il nuovo corso storico è documentato dal tricolore, protagonista del dipinto di Altamura, esposto in mostra. Il giovane raffigurato nel dipinto è immerso in un'atmosfera trasognata, mentre in una mattina primaverile passeggia sulla collina fiorentina di San Miniato, portando in spalla il tricolore. La visione solenne della basilica e del convento di San Miniato al Monte, che si staglia netta grazie ad un sapiente contrasto di luci e di ombre sul cielo, rivela la ricerca del pittore verso la pittura della “macchia”. Opere chiave dalle decise macchie chiaroscurali sono quelle dipinte dal vero da Fattori alle Cascine, dove erano accampate le truppe francesi dalle vivaci divise. Tocchi decisi di colore, stesi in maniera quasi geometrica, rendono l’immagine dei soldati. Incoraggiato da Nino Costa, al Concorso Ricasoli del 1859 per il tema “Battaglia di Magenta” Fattori presentò due bozzetti dalla fattura rapida e macchiata, che diede il via al nuovo corso del quadro di storia contemporanea.
Nel marzo del 1861 Torino era divenuta capitale del nuovo Regno d’Italia sotto la guida di Vittorio Emanuele II; il 1° maggio, presso l’Accademia Albertina, fu inaugurata l’esposizione della Società Promotrice di Belle Arti, prima affermazione pubblica dei macchiaioli. Fece scalpore il dipinto di Signorini “Il quartiere degli israeliti a Venezia”, di cui in mostra è esposto il bozzetto. Criticato fu anche “Il mattino (Le monachine)” di Cabianca. L’avanzare del pensiero laico risorgimentale vede le figure malinconiche di suore e monache come vittime delle tradizioni religiose, in contrasto con il paesaggio che evoca il pensiero di fuga da un presente disordinato, concetto reso perfettamente dal contrasto luce-nero tipico di questi soggetti. Alla Promotrice del 1861 Antonio Fontanesi esponeva due dipinti e due disegni a carboncino di grande formato, simili a quelli esposti. Il pittore aveva appreso la tecnica del “fusain” a Ginevra, dove risiedeva dal 1850, con risultati eccellenti per morbidezza pittorica e sapienza nelle lumeggiature. Accanto ai fusain, Fontanesi presentava “Il mattino”, paesaggio dall’atmosfera vibrante e ariosa in mostra. Nel 1862, alla Promotrice delle Belle Arti di Torino, Banti acquistò “Un mattino d’ottobre” di Fontanesi, opera in mostra, testimoniando così l’adesione dei macchiaioli ad un nuovo stile.
Diego Martelli, nella sua conversazione sull’arte, riconduceva al 1856 la ricerca di un linguaggio innovativo da parte dei giovani artisti toscani, al fine di raffigurare la realtà distanziandosi dal sentimentalismo romantico. Al Caffè Michelangiolo s’intavolavano vivaci discussioni sul rapporto dell’arte moderna con il Positivismo. Il pensiero positivista fu avallato dagli studi di Jules Jamin, pubblicati sulla “Revue des Deux Mondes” nel 1857 e nel 1859 sulla “Rivista di Firenze”, asserendo come la pittura, basata sull’artificiosità dei colori, permettesse soltanto una trasposizione analogica del visibile. I termini tecnici come macchia, tonalità grigia, pittura a corpo o velatura furono i concetti base della nuova arte, inizialmente resa con forti contrasti tra chiaro e scuro al fine di dare volume alle immagini. Questo stile pittorico fu acquisito da Signorini con Banti, Borrani, Cabianca nella campagna del Valdarno e sulle coste liguri. In seguito, gli stessi artisti proposero la “macchia” quale precisa sintesi cromatica di tasselli accostati secondo rigide ricostruzioni delle varie accidentalità luminose: alla forza dei contrasti luministici e tonali che distinguono quadri come “Bimbi al sole” di Banti, o “Parco Reale” di Vito D’Ancona, essi sostituirono le nette scansioni cromatiche, esito di un’analisi lenta e meditata, di “Tetti al sole” di Sernesi, della “Veduta di San Gimignano” di Abbati, della “Cugina Argia” di Fattori.
Dall’estate del 1861, i macchiaioli, superate le iniziali contestazioni verso la tradizione figurativa, influenzati dai paesaggi di Nino Costa e dai delicati effetti dei dipinti di Fontanesi, dalle scene agresti di Jules Breton di Jules Bastien-Lepage, ricercarono un linguaggio equilibrato e fermo, nuovo e antico a un tempo: fra i risultati più alti di questo momento, i paesaggi dipinti da Sernesi e da Borrani a San Marcello Pistoiese, come “Bovi neri al carro” e “Pastura in montagna” del primo e “La raccolta del grano sull’Appennino” del secondo.
L’Esposizione allestita a Firenze nel settembre 1861 diede ai macchiaioli la possibilità di presentare le loro opere a un vasto pubblico. Giuseppe Abbati espose “Interni della chiesa di San Miniato al Monte”, opera ricca di contrasti luministici e cromatici tra bianco e nero; Cabianca presentò la “Scena medievale”, opera di timbro nostalgico per la cultura e la bellezza cittadine, assediate dalla modernità. Borrani presentò “Il 26 aprile 1859 in Firenze”, ispirato alla pacifica rivoluzione toscana, in cui è raffigurato un ambiente evocativo del passato e nel contempo attuale. Sono questi i soggetti tipici della poetica di Piagentina, la campagna nei pressi di Firenze dove i macchiaioli andavano a dipingere all’indomani dell’Unità, trovando nella quiete la concentrazione utile alla loro ricerca artistica, che richiedeva lunghi tempi di analisi.
Al seguito di Lega, che dipinse opere ispirate dall’atmosfera del villino Batelli, la casa della donna da lui amata, lavorarono a Piagentina Signorini, Abbati, Sernesi, Borrani, Michele Tedesco, Lorenzo Gelati, raffigurando vedute agresti velate di malinconia per il tramonto di quel mondo invaso dal progresso, sentimento palpabile anche nel quadro di Tedesco “Una ricreazione alle Cascine di Firenze”. A Castiglioncello, ospiti di Diego Martelli, i macchiaioli dipinsero vedute evocative di quella natura ancora incontaminata, come testimoniano “La Punta del Romito vista da Castiglioncello” di Sernesi e la “Veduta di Castiglioncello” di Abbati, opere dal formato basso e allungatissimo. Nel 1867 anche Fattori fu a Castiglioncello e vi ritrasse i padroni di casa; quell’anno egli dipinse in sodalizio con Abbati e Borrani, affascinati dall’immagine del carro rosso aggiogato ai buoi bianchi, tema che il pittore avrebbe svolto negli anni a seguire in capolavori assoluti, fra i quali “Bovi al carro”.
La mostra torinese prosegue con la Scuola di Rivara. La prima citazione dei pittori che dipingevano i paesaggi intorno a Rivara, nei pressi di Ivrea, fu nel luglio del 1872 sulla rivista torinese “L’Arte in Italia”: Giovanni Camerana, nel recensire la mostra della Promotrice, esaltò il cenacolo di pittori che si ritrovavano nella cittadina - i piemontesi Vittorio Avondo ed Ernesto Bertea, i liguri Ernesto Rayper e Alberto Issel, il portoghese Alfredo d’Andrade e lo spagnolo Serafín Avendaño, apprendisti presso il paesaggista romantico Alexandre Calame a Ginevra, dove avevano conosciuto Antonio Fontanesi, che li aveva indirizzati verso la pittura della scuola di Barbizon. Nel 1861 d’Andrade andava a dipingere in Savoia e nel Delfinato, insieme a Bertea e, probabilmente, a Rayper, e conobbe Carlo Pittara a Nervi: si ponevano così le basi di un’amicizia che condusse a Rivara non solo lui, ma anche gli altri liguri. Nel 1862 d’Andrade era a Roma dove aveva già soggiornato Avondo, di cui è esposto “Il Teverone”.
Nell’autunno del 1863 d’Andrade, Rayper e Avendaño dipingevano nei dintorni di Carcare, presso Savona, guidati da Tammar Luxoro, che nel 1856 aveva conosciuto Antonio Fontanesi. Il clima amichevole delle loro sedute all’aperto è documentato dalla tela “I pittori di Rayper”. Molto bello, in questa sezione, il tramonto di Fontanesi “La sera. Veduta del Ponte di Santa Trinita e del ministero della Marina”, presentato nel 1867 alla Promotrice fiorentina; “Mercato vecchio di Firenze”, sempre di Fontanesi, immerge il visitatore nell’atmosfera di un tempo, in cui Fontanesi fu ospite di Banti per un breve periodo, interrotto dalla nomina del pittore reggiano all’Istituto di Belle Arti di Lucca nel 1868 e, l’anno seguente, all’ Accademia Albertina di Torino, dove per lui fu aperta la cattedra di pittura di paesaggio.
La pittura di macchia dei toscani è documentata dagli intensi effetti luminosi del “Casolare biellese” di Ernesto Bertea, mentre “In cerca di legna” di Rayper rappresenta la ricerca dei liguri, attraverso una tavolozza di verdi e grigi. Nell’onorare la memoria di Rayper, scomparso prematuramente nel 1873, Signorini nobilitò con l’appellativo di “scuola” l’esperienza artistica di Rivara.
Fra i pittori di Piagentina, Adriano Cecioni predilige soggetti semplici del quotidiano, che, stilizzati ed inseriti in una prospettiva alterata, creano un’atmosfera sospesa. Anche in “Novembre” di Signorini, l’uso sapiente delle luci suggerisce l’atmosfera piovosa e il virtuosismo prospettico amplifica la desolazione della scena.
Questi concetti estetici erano sostenuti dal “Gazzettino delle Arti del Disegno”, la rivista fondata da Diego Martelli nel 1867 per promuovere l’apertura della cultura figurativa locale verso l’arte europea contemporanea. Signorini ne fu il collaboratore più autorevole, con contributi in cui sosteneva l’importanza del paesaggio, privo di contenuti didascalici, e lasciava spazio alla ricerca dei contenuti, talvolta scelti per il loro aspetto anticonvenzionale: nella Sala delle agitate al Bonifacio di Firenze, da lui dipinto nel 1865, la rappresentazione realistica di personaggi in un manicomio è di timbro documentaristico.
La sensibilità nel “tradurre il vero attraverso il sentimento degli antichi”, come diceva Diego Martelli, è tipica dei macchiaioli: Cristiano Banti aderisce alla metrica classica quando dipinge “In via per la chiesa”, nel quale donne e bambine procedono lentamente sotto la luce intensa del sole pomeridiano; ma nel dipinto è evidente anche l’influenza per Jules Breton e Jules Bastien-Lepage, ammirati nel viaggio a Parigi del 1861 e resi noti a Firenze dal “Gazzettino” che promuoveva anche l’arte di François Millet, pittore del sociale la cui influenza si nota nelle Macchiaiole di Fattori del 1866. Il paesaggio dei macchiaioli è animato da contadini, buoi o cavalli che lavorano all’unisono, celebrando l’epopea dei campi. Il tema del paesaggio accomuna le ricerche di Fattori, come in Bovi e bifolco in riva all’Arno, del 1870-75, e di Fontanesi, la cui Bufera imminente fu esposta alla Promotrice torinese del 1874.
Per i macchiaioli, come per i pittori piemontesi e liguri che si riunivano a Rivara, Fattori e Fontanesi furono figure di riferimento, per la severa coerenza del loro percorso. Fu da questo orizzonte ampio di sperimentazioni che giunsero gli stimoli più fecondi per consentire all’arte italiana di muovere passi decisivi verso la modernità.

Il tempo non è una corda che si può misurare a nodi,
il tempo è una superficie obliqua e oscillante che solo la memoria riesce a far muovere e avvicinare.
(José Saramago)


di Giorgio Barassi


Lattine di oli per motore, bottiglie, biscotti, chiavi, banconote, biglietti di aereo e ferroviari, orologi, perfino peperoncini, Baci Perugina e ghiaccioli. Tutto finisce sotto la confezione trasparente delle resine usate da Gost per urlare che il tempo va fermato nell’idea di non dimenticarne i contenuti, pur se si deve vivere nel presente e pensare al futuro. Prima pittore, poi performer, quindi ironico ammonitore, decisamente dentro il senso della contemporaneità dell’Arte, Giorgio Gost ha lavorato all’idea di salvare gli oggetti per il tempo a venire pensando nientemeno che all’ anno 6000. Lo ha fatto seguendo un percorso Pop senza atteggiamenti per forza stravaganti, immobilizzando vecchi prodotti in scatola o in latta, parte del nostro pregresso e testimonianze di civiltà, del consumismo e dell’avvicendarsi delle stagioni della vita. Quasi tutto è finito sotto quelle coperte rigide e trasparentissime che sembrano tenere insieme quello che ci è stato dato di tenere in mano, di usare o di guardare, alla faccia dello scorrere della vita. Senza un passato a cui ricondursi, il futuro non ci sarà. E il dato del tempo trascorso è l’unico, per quanto immodificabile, di cui disponiamo per avere contezza di ciò che è stato, l’unico punto fermo della triade composta da ciò che è accaduto, quanto accade e quanto può accadere. A leggere nel suo lavoro solo la nostalgia o un malinconico rigurgito vintage, si sbaglia. Gost ha ben presente il domani, sa che deve controbattere alle incertezze con le certezze e sa anche che quello che avvenne non è l’unica via per evitare brutte sorprese. Ma sa anche che gli oggetti, se ben conservati, possono rendersi efficaci e vivi come quando c’erano e ci circondavano.
Una avanzata teoria del miglior rispolvero e della miglior conservazione, si direbbe. Una antica riconoscenza verso quei principii che facevano conservare tutto ed anche troppo ai nostri nonni, spaventati dall’incombente ed imprevedibile abbattersi di una sciagura. Ma anche una consapevolezza del passato che ha dato gioia e lustro alle capacità dell’ uomo e un rispetto verso il tempo andato, che costituisce una forma di arte popolare e perciò intimamente connessa ai canoni essenziali e fondanti della Pop Art. Confluiscono in una direzione unica tutti gli oggetti (ma sarebbe corretto chiamarli soggetti) che Gost prende in esame e cristallizza per un sempre incalcolabile, benché l’anno 6000 sia indicato come una scadenza. In questo modo i maccheroni, le scatole di conserva, le lattine di bibite ormai hors d’usage, le monete e qualsiasi altro oggetto di uso o conoscenza diffuse finiscono sotto quel velo così compatto quanto delicato. Le situazioni, poi, concorrono ad irrobustire l’esigenza del performer emiliano, che lancia l’idea di salvarsi portando con sé qualcuna delle sue opere, perché una forma di sopravvivenza sia possibile accedendo al punto critico di quei contenitori, per aprirli e usufruire di quanto è stato da lui infilato lì dentro. La disavventura del terremoto in Emilia, che ha tormentato quelle terre nel 2012, lascia a Gost lo spazio per la solita ironia intelligente di cui è dotato, e gli fa suggerire di portarsi dietro una delle sue opere che contengano alimenti, perché rompere quelle teche massicce assicura un minimo sostentamento a chi si rifugia evitando di tornare in casa. Esorcizzare i mostri come il tremare della terra è un atto di profondo affetto verso la sua gente, è la battuta caustica del signore in bicicletta che pedala per Parma e non si trattiene alla vista di una bella dama con le gonne al vento, o risponde col sorriso agli amici seduti davanti al bar mentre lo sfottono.
Con Gost il Pop assume un ruolo umano, più popolare e per niente snob o presuntuoso. Una Popular Art che contiene in sé il senso del rispetto verso ciò che davvero è popolare e che tutti conosciamo. Ma che, per esempio, le nuove generazioni non sanno neppure cosa sia. E allora una lattina di Olio Fiat col suo omino in tuta bianca o quella giallissima di Shell motor oil riportano ai tempi eroici di vecchie officine, di Gran Premi o rally in cui tutto accadeva per mente e mano umana e non per calcoli di un computer. Come è giusto che sia, la tecnologia deve essere presente e viva in un tempo che non ne può fare più a meno, ma il romanticismo degli oggetti andati ha un fascino che lì dentro, in quelle forme nette e limpide, restituisce l’anima del tempo e il suo valore.
Gost ha ingabbiato, senza un minimo di catena e con molto cuore, anche documenti come le sue “Bolle”, le antenate del Documento di Trasporto, fatture battute a macchina dalle Underwood con l’inchiostro blu, biglietti di vecchi spettacoli e tanto altro. Un eternare che non ha infinita durata. La scadenza del 6000 è certo lontanissima, ma c’è, e così si da un tempo a ciò che è stato, in una consapevolezza dell’effimero che però dura e si salva solo se lo vogliamo. Anche qualche suo collega è finito nella sua cristallizzazione, come per usare un sistema moderno e un linguaggio attuale e personale, finalizzato al “d’après” o all’ “omaggio a…” che non tradisca il dettame di quell’urlato “Stop Time!” (claim usato da Gost in più occasioni espositive) e che serve a farci riflettere e a farci fermare consapevoli di non poter bloccare l’avanzata del tempo che corre. è solo un intimo momento di dolcezza del ricordo e di riscoperta dell’identità. Una interpretazione non selvaggia del “come eravamo” che scarta la malinconia e sollecita un sorriso, sia anche di complice annuire al rimpianto della gioventù. In fondo, quello che si chiede al Pop è di tornare ad essere com’era quando ne iniziò l’avventura. E forse per questo il ricorso al revival e la tenuta immortale di certe canzoni fanno ancora testo e proseliti, stanno già nella storia e non muteranno la loro forza.
E non poteva mancare, tra le molteplici avventure del “Cristallizzatore”, la musica. E così Gost ha aderito al progetto CalifArte, una maniera per rendere in arte visiva i testi delle canzoni del cantautore e poeta Franco Califano. Da lui sono stati resi “visibili” due testi profondi e dissacratori: “Tutto il resto è noia” e “Capodanno”. Il performer ha dato spazio al divoratore di musica, abituato però più al rock ma riconoscente verso i grandi della musica italiana. Perciò ha preso un doppio LP in vinile del Maestro, un live degli anni ottanta, e lo ha chiuso in una struttura limpida che fa trasparire qualche grinza nelle resine utilizzate, come a segnare le cicatrici della vita di Califano e la sua storia. Poi ha dolcemente imprigionato una bottiglia di champagne e una flute rotta, come a testimoniare la certezza che la grandeur ha ben una fine, ma non sarà dimenticata. Nemmeno nell’anno 6000.
E'fatto così Giorgio Gost: un sarcastico, accomodante emiliano, pacifico e riflessivo, che azzanna e rimprovera con dolcezza, con la pienezza della nostalgia e secondo le regole non scritte di chi opera su ciò che è conosciuto a tanti, distinguendosi per originalità e garbo. Il tempo può passare quanto vuole, noi, grazie a Gost, saremo salvi e non dimenticheremo.

di Giorgio Barassi

La città di Roma è una vera città d’arte dove basta voltare l’angolo e si incontrano palazzi, architetture, fontane, statue create da artisti dai nomi importanti come Bernini, Borromini, Michelangelo, lo è per i numerosi musei che canalizzano il fermento artistico e captano le tendenze internazionali e per le numerose gallerie d’arte che espongono opere di artisti affermati o emergenti. Roma ama l’arte e quest’anno, dal 23 novembre 2018 fino al 2 dicembre 2018 ha ospitato per la prima volta la manifestazione Novembre in Arte con alcuni eventi - separati ma allo stesso tempo complementari - dedicati all’arte moderna e contemporanea (Roma d’Arte Expo) e all’antiquariato, al modernariato, al collezionismo e al vintage (OltrelArte - L’eredità del futuro). L’inaugurazione ha visto come padrino d’eccezione il conduttore di La7 Anthony Peth con la presenza dell’organizzatore Roberto Sparaci e dell’ Amministratore Unico Fiera di Roma Ing. Pietro Piccinetti.
Partner della manifestazione la nota casa vinicola Casale del Giglio che ha deliziato gli invitati con una degustazione di prestigiosi vini laziali.
L’attesa per il nuovo corso di una fiera dell’ Arte moderna e Contemporanea a Roma era palpabile. Nei giorni che hanno preceduto la rassegna romana gli espositori hanno dichiarato la loro approvazione per una fiera finalmente nella Capitale, dove hanno potuto esibire oltre 1.000 opere di artisti di grande prestigio, tra cui opere di Giorgio De Chirico, Lucio Fontana, Renato Guttuso, Mimmo Rotella, Mario Sironi, Vincenzo Balsamo, Giuseppe Capogrossi, Felice Casorati, Piero Dorazio, Enrico Castellani. I più attrezzati come i nuovi volti del settore hanno trovato una organizzazione pronta ad accogliere, nonostante la dura concorrenza del “Black Friday” che ha di fatto paralizzato la città nella giornata di venerdi 23 novembre, sottraendo a Roma d’Arte un buon numero di visitatori. Il sabato 24 la folla non si è fatta attendere e gli stand sono stati visitati da molti collezionisti e neofiti in vena di acquisti .
Di certo, a porte chiuse ed a caldo, gli organizzatori si sono proposti di cambiare le date della riuscita manifestazione, perché la Capitale merita una attenzione maggiore ed internazionale magari in periodi dell’anno in cui la città è già meta del turismo dai numeri alti: si pensa a primavera, per esempio o a fine settembre.
Inserita nel contesto di “Novembre in arte”, la rassegna dedicata al contemporaneo ha comunque visto una buona qualità di opere esposte, con alcune eccellenze e autentiche rarità portate dai galleristi ed operatori del settore come si fa nelle grandi occasioni. Ampio lo spazio dedicato ai nuovi talenti, che spesso cono compressi in angoli ridotti delle manifestazioni fieristiche. Giovani pittori e performer hanno visto i loro lavori esposti nel grande spazio del padiglione dedicato e possono dire di aver avuto buoni riscontri. Si conferma la tendenza di mercato all’ opera da investimento, e i grossi nomi non mancavano, per una attenzione speculativa ed estetica insieme.
A questo tema erano dedicati gli spazi delle gallerie storiche partecipanti con dipinti che sanno davvero di storia dell’arte nazionale ed internazionale. Il Pop, la figurazione incrollabile, l’astrazione italiana… una bella occasione per vedere raggruppati a Roma i nomi che hanno segnato il Novecento e che da Roma, in attività ed in vita, sono certamente passati.
Di gran rilievo le due mostre dedicate a due grandi del Novecento: Achille Perilli (che successivamente si è trasferita al Museo Hermitage di San Pietroburgo a cura della Galleria Accademia di Torino) e Renato Mambor. Circa 250 metri quadrati di area espositiva per ciascun artista, per godersi lo spettacolo delle geometrie perilliane, piene di storia e di ricerca, e il linguaggio Pop di Renato Mambor, artista impegnato per lunghi anni in una ricerca spasmodica di una cifra stilistica oggi riconosciuta ed apprezzata dal collezionismo raffinato.
Tra le attività collaterali, un incontro dedicato alla pittura e al cantautore Franco Califano. A Roma non poteva mancare CalifArte, il progetto artistico che impegna alcuni pittori a realizzare le loro opere ispirati dalle immortali canzoni del Califfo.
Sabato 24 il Presidente della Fondazione Califano, Antonello Mazzeo, lo scrittore (e pittore) Paolo Silvestrini e l’ideatore di CalifArte, Giorgio Barassi, hanno relazionato in un incontro dal titolo “Tutti i colori del Maestro”: la pittura che incontra un’altra arte, quella della musica, e che sfocia nel racconto a colori della poesia. Applausi al centro del padiglione per l’iniziativa voluta da Acca Edizioni e Galleria Ess&rrE.
Nell’ambito della Fiera Oltre l’Arte l’Eredità del Futuro (23 novembre - 2 dicembre 2018): “Mario Sironi. I piccoli studi e la grande decorazione”: sono state esposte oltre 80 opere che abbracciano un periodo importante della vita dell’artista, tra il 1915 e gli anni Trenta. Le opere sono poco note perché parte della collezione personale conservata dalla famiglia e la collezione comprende studi di pubblicità, di copertine e di grandi quadri; scorci di paesaggio e ritratti di proporzioni ridotte, cartoni preparatori di affreschi e mosaici. Nell’occasione, è stato presentato il volume “Appunti di Viaggio. Piccoli studi di Mario Sironi dal 1915 al 1955” a cura di Fabio Benzi e Andrea Sironi-Strausswald.
Inoltre: “Oltre il muro. Tempere originali del cinema dell’ex Unione Sovietica”: esposti 10 manifesti cinematografici di forte impatto visivo e di propaganda politica dell’ex Unione Sovietica. Le opere provengono dalla collezione della Galleria d’Arte Cinquantasei di Bologna e sono per lo più tempere su carta e cartoncino. In contemporanea sono stati proiettati 5 film in lingua originale con sottotitoli: il documentario “L’uomo con la macchina da presa” (1929) di Dziga Vertov; le commedia musicale “Circo” (1936) di Grigori Aleksandrov e 3 film di Sergej Eisenstein: “La linea generale” (1929), “La congiura dei Boiardi”, “Ivan il terribile” (1944).
Un fiera dinamica, con un equilibrio giusto fra nomi altisonanti e nuove proposte, per rendere attiva e viva l’offerta, differibile anche a coloro che non si sentono coinvolti perché si ritengono “non intenditori”. Sbagliato. Gli operatori e i galleristi sono in questa ed in altre fiere soprattutto per indicare, proporre ed informare. E a Roma d’Arte Expo l’operazione è riuscita benissimo, come confermano i visitatori soddisfatti e i collezionisti abituati allo scambio ed alla scelta in fiera. Bilancio dunque positivo, che sarebbe stato ancora migliore se nel giorno di chiusura, domenica 25, Giove Pluvio non si fosse scatenato rovesciando su Roma una pioggia battente davvero eccessiva, che avrà scoraggiato più di qualcuno.
Un appuntamento rinnovato, che troverà più giusta e partecipata collocazione in date diverse. Gli organizzatori sono già all’opera. Gli inserzionisti, anche i più scettici, sono avvisati.

di Francesco Buttarelli

Giungere ad Assisi nei giorni che precedono il Natale, equivale ad immergersi in un sogno proiettato a ritroso nel tempo, la città sembra tornare indietro di secoli, e le vie del centro sussurrano gli ideali di pace di San Francesco illustrati attraverso i vari cicli pittorici di Giotto. Buona parte del patrimonio artistico del più grande pittore medioevale si trova nella città umbra. Tutto ciò fu reso possibile dal cambiamento della situazione socio politico culturale che si ebbe in Italia nel corso del duecento, attraverso significative trasformazioni che portarono alla ribalta una nuova classe politica: la borghesia. Un crescente fervore culturale ed artistico permise ad una città di secondaria importanza, Assisi, di divenire un luogo di primissimo piano caratterizzato da una fioritura artistica senza precedenti. Giotto si trovò al posto giusto nel momento giusto, (Boccaccio lo riteneva il miglior pittore del mondo capace di rivoluzionare l'arte del dipingere). Giotto seppe osservare ed interpretare l'ascesa dei borghesi e degli ordini mendicanti che influenzarono l'arte sotto ogni aspetto. L'artista, proprio per questa ragione, fu attivo soprattutto nelle chiese dei Frati Minori; in quel periodo, grazie alla potenza raggiunta dall'ordine francescano, la città venne proiettata in un ruolo di protagonismo talmente elevato da offuscare l'attività artistica di Roma;(la città eterna era ancora troppo chiusa nell'orbita del classicismo di ispirazione Bizantina). Le testimonianze pittoriche di Giotto ad Assisi, ci mostrano un autore spesso in contrasto tra le soluzioni interpretative possibili offerte dall'arte. Tuttavia l'innovazione traspare in ogni opera. Nel dipinto “Isacco respinge Esaù”, si rileva Il più antico intervento di Giotto ad Assisi, databile intorno al 1290; qui l'artista, posto di fronte ad un soggetto biblico, si attiene ancora ad un linguaggio pittorico apparentemente classico. Diverso il contenuto del “Presepio di Greccio”, vi è rappresentato il presbiterio di una chiesa in cui si svolge la sacra rappresentazione. Le parti poste in evidenza sono il santo con il bambino e gli oggetti in prospettiva (stupendi risultano il retro della croce inclinata ed il leggio snodato verso lo spettatore). Mistico e di più difficile lettura risulta il dipinto “La morte del cavaliere di Celano”. In questo affresco l'autore si distacca dall’aspro plasticismo che è caratteristico delle storie precedenti, e ricerca mediante un modellato in punta di pennello effetti di maggiore morbidezza coloristica. Con “La predica innanzi a Onorio III”, Giotto evidenzia una sua seconda fase pittorica. La perfetta resa, in prospettiva dell'architettura gotica, anticipa le famose nicchie della “Cappella degli Scrovegni”. Nei volti obesi dei prelati della corte pontificia si evidenziano novità ritrattistico-coloristiche. Ogni opera di Giotto in Assisi, fa emergere il suo inconfondibile talento, la straordinaria capacità di un artista che seppe tracciare una nuova via nella storia della pittura. Ogni dipinto, ogni affresco proietta l'osservatore verso un “incontro” con il Santo, attraverso un cammino di spiritualità. Le 28 storie giottesche parlano di creazione con racconti biblici che esaltano ed evidenziano le origini del mondo. Assisi, durante il Natale, ci offre immensi scenari di arte, arricchiti da una sensazione mistica che va oltre il contesto religioso.

Francesco Buttarelli
☏ 0765872286, 3392269205
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gli artisti dipingono
                     le canzoni di Franco Califano

Dal mare di Roma al Ducato di Parma


di Giorgio Barassi

Cominciata al Porto Turistico di Roma, nei locali della Galleria Ess&rrE, l’avventura di CalifArte continua a nord. Il prossimo 2 febbraio, la mostra delle opere degli artisti che hanno dipinto le canzoni di Franco Califano arriva a Parma. Alla Galleria S. Andrea, una bella chiesa tardo medievale diventata luogo di esposizione e centro di cultura, più di venti pittori esporranno i loro lavori ispirati alle canzoni, ai monologhi ed agli aforismi del Califfo. Una maniera per ricordare ed omaggiare Califano, cantautore e poeta, scomparso nel 2013, ma anche una prova di bravura di artisti fra loro diversi per stile, tratto e caratteri artistici. Una esposizione che tocca le corde degli intrecci tra le Arti della pittura, della poesia e della musica.
Particolare importante: alla partenza del progetto gli artisti partecipanti erano sedici. All’edizione considerata un “numero zero” in un piccolo club della provincia di Foggia, erano solo sette. Oggi, per Parma, sono più di venti e molte sono le richieste che arrivano, da parte di pittori più o meno noti, di adesione. CalifArte, dunque, attira l’attenzione degli artisti che si confrontano con un paroliere dalle doti innegabili, del quale finalmente si parla in termini più consoni al suo talento. Lo aveva previsto, il Maestro (pochi lo chiamano altrimenti): in Italia, muori e sarà vera gloria.
Questo malcostume che continua ad imperversare nelle Arti italiane è uno dei punti chiave della lettura dell’evento, che non si fermerà a Parma e proseguirà il suo cammino in gallerie pubbliche e private e, perché no, anche all’estero.
Califano ha cantato l’amore, le storie di borgata, gli addii e i ricongiungimenti, le fragilità dell’uomo, ha parlato della società toccandone i punti vulnerabili ed ha, soprattutto, messo per iscritto quello che in fondo tutti pensiamo ma non abbiamo, per buona creanza o per quieto vivere, la voglia di dichiarare. In questo, la sua vicinanza alla pittura è innegabile, perché nelle arti visive è stato spesso il turbamento o il sentire intimo la vera fonte approvvigionatrice degli artisti migliori.
L’anima a cui si dà voce per una vita, la linfa che pervade tele, sculture, installazioni. La creazione di CalifArte non solo collega e fa interpretare a due voci le istanze primarie di tre Arti (pittura, poesia e musica) ma diventa veicolo per conoscere meglio la scrittura e il pensiero di un poeta del Novecento che ha lasciato un enorme patrimonio di canzoni. Cioè quanto di più semplice e replicabile esista per proseguire nel ricordo di chi ha creato artisticamente. Ai pittori serve riconoscibilità ed evidenza. Dunque meglio che la loro arte venga riconosciuta mentre sono in vita.
Marco Lodola, uno dei partecipanti a CalifArte, diceva in tempi non sospetti “non mi interessa essere il più famoso al cimitero”.
Ideato da chi qui scrive, CalifArte è un progetto accolto e condiviso con entusiasmo dalla équipe della Galleria Ess&rrE del Porto Turistico di Roma, che manifesta ancora una volta l’attenzione alla leggibilità delle espressioni di un’Arte che chiede nuovi spazi per essere vista e gradita a molti.
Alla prima uscita di CalifArte, nel maggio 2018, gli habitué e non della bella galleria sul mare di Roma hanno apprezzato molto il viaggio parallelo tra pittura e canzone, godendosi la bella giornata di primavera tra le interpretazioni delle canzoni del maestro uscite dai pennelli di Cinzia Pellin, Luca Dall’Olio, Giovanni Manzo, Giancarlo Montuschi, Massimo Sansavini, Alberto Gallingani, Luigi Colombi “Conte” e gli altri artisti compagni di avventura di un plotone che si è arricchito di firme come quella di Alberto Lanteri o di Leonardo Niola. Vale a dire nomi noti e giovani anime della pittura uniti e mescolati nel segno di Califano.
A Parma, le brume invernali non ricorderanno le belle giornate romane ma saranno l’atmosfera ideale per quelle canzoni (e, dunque, quelle opere) a cui il Califfo teneva particolarmente.
Atmosfere intimiste, nebbiose. Malinconia e bellezza, sorrisi avvolti dal silenzio e ricerca continua del bel vivere. La Galleria S.Andrea è una chiesa del cuore cittadino della bella capitale del Ducato, vicinissima alla nobile Università parmense ed alla Piazza Garibaldi. Una atmosfera elegante e storica, ravvivata dalle iniziative della locale sezione del UCAI che avvicina le arti alla gente. Un luogo attrezzato per amplificare le emozioni e capire come gli artisti abbiano potuto interpretare “E la chiamano estate” o “Minuetto” o “La musica è finita” o altre canzoni forse meno note ma non meno importanti. Nella produzione di un artista le pieghe sono molte, e per uno scrittore di canzoni o per un pittore alcuni pezzi nascono per essere forse meno famosi ma più sentiti. Anche in questo, con buona pace di Leonardo Da Vinci, che si chiedeva nel Trattato della Pittura quale fosse l’arte più nobile tra la poesia la pittura o la musica, il collimare tra le Arti è evidente. Califano ha scritto più di mille canzoni, più di cento monologhi e lasciato, tra vicende di vita vissuta e noti aforismi, un bel pò di materiale su cui appoggiare il senso della creatività dei pittori italiani.
Patrocinata dal Comune di Parma, che si candida a Capitale Europea della Cultura per il 2020, CalifArte comincia con un vernissage corredato da ospiti autorevoli il 2 febbraio alle 17.30 per proseguire fino al 14 febbraio tra le mura della Galleria S. Andrea in una cornice di eventi collegati che saranno annunciati per rendere ancora più ricco il percorso di un progetto dalle possibili estensioni davvero imprevedibili. Presente il desk e lo staff dell’ olio EVO bio Otto Ettari delle Tenute Riposo di Torremaggiore (Foggia), altro prodotto di una antica arte, quella olearia, di una azienda partner di CalifArte sin dall’inizio.
Parma incontra CalifArte e riconferma il suo ruolo di città ricca di arte, tradizioni e storia. E a febbraio, in quella atmosfera signorile in cui riecheggiano le antiche glorie del Ducato, a due passi dagli affreschi del Parmigianino nella bella chiesa della Steccata e dal Teatro Regio, per concludere le serate come il Maestro avrebbe certamente gradito, ci sta un piatto fumante di anolini in brodo di cappone, la maestà del nobile prosciutto e un allegro lambrusco. Tutto diventa più facile, anche l’Arte, se la si prende dal verso più semplice, cioè quello del rispetto verso chi ospita il lavoro degli artisti.